Me amarán por aquello que me destruye

Sinopsis

Sobre el director

Ficha artística

Ficha técnica

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Palabras de la Directora General

La Universidad Nacional de Arte Escénico, creada sobre la base de la Escuela Nacional Superior de Arte Dramático “Guillermo Ugarte Chamorro”, tiene el placer de darles la bienvenida al primer ciclo de montajes: La escena en tránsito. Este ciclo está compuesto por tres montajes realizados por un grupo de estudiantes de la carrera de Actuación que están a punto de ingresar a su quinto año de formación y que son dirigidos por los directores escénicos Luis Sandoval, Beto Romero y Henry Sotomayor.

Los montajes en cuestión son diversos, pero tienen en común la reflexión sobre nuestro tiempo y territorio, aun cuando toman como punto de partida obras escritas en otros contextos geopolíticos y temporales. Estas piezas dialogan con nuestra realidad en la medida en que nos interpelan tanto como individuos como sujetos culturales.

En la actualidad, vivimos en una América Latina sumida en una creciente pobreza económica y moral, donde, además, los derechos fundamentales individuales y colectivos, tan duramente ganados, se ven nuevamente amenazados. En este contexto, las ciudadanas y los ciudadanos, paralizados por el miedo, el desconcierto y el horror, contemplamos impávidos la decadencia de muchos países en nuestro continente. Corremos así el riesgo de pensar que el arte ha perdido su potencia para ayudarnos a comprender nuestra historia y nuestro presente, para engendrar nuevos símbolos con los que resignificar nuestra experiencia del mundo o que, simplemente, atrapados en el espejismo de una realidad impuesta, ya no tiene razón de ser.

Nosotras y nosotros creemos, por el contrario, que es en tiempos de crisis cuando el arte se vuelve más imprescindible. Depende de todas y todos que no se debilite y que se transforme en un espacio de resistencia frente a la violencia, la intolerancia, los sistemas de exclusión, la pobreza y los autoritarismos. Ojalá que el arte siga siendo, además, un lugar de reinvención, donde podamos mirarnos con otros ojos y construir, desde el diálogo, la empatía y el crecimiento, un mejor horizonte.

¡Que disfruten la función!

LUCÍA LORA CUENTAS

Palabras de la Directora Académica

El teatro es un espacio de tránsito constante, en cuyo tejido emergen nuevos lenguajes artísticos que se hibridan entre sí como parte del contexto que los contiene.

Al reflexionar en cuál es el contexto que habitamos en nuestra realidad, es inevitable ver a este hermoso país, poseedor de una vasta riqueza cultural, fracturado por profundas heridas que vienen desde su historia, hasta su presente configurado por la normalización de lo irracional. Esto, evidentemente, repercute en las formas simbólicas que habitan en la producción de subjetividades nacidas de las cartografías sociales.

Por tanto, el arte —y en este caso, específicamente el teatro— asume la responsabilidad de volver a mirar el contexto que habitamos como sujetos, sin dejar de cuestionarnos y de hacer el ejercicio permanente de desmitificar la «realidad», como diría Freire. Desde esta mirada, busca provocar la reflexión, resguardar la memoria y contribuir en la construcción de ciudadanía.
Enmarcados en este ciclo de montajes La escena en tránsito, que Ensad (ahora Unae) ofrece a la comunidad, se presentan tres propuestas con lenguajes escénicos distintos entre sí, pero que confluyen en temáticas potentes y vigentes.
Las puestas en escena están a cargo de tres directores invitados y de estudiantes de último año de la carrera de Actuación. El reto se traduce en tres montajes:

Una noche en Estambul, versión libre de la obra La noche árabe de Roland Schimmelpfennig.
Collacocha, de Enrique Solari Swayne.
Me amarán por aquello que me destruye, versión libre de la obra 4.48 Psicosis de Sarah Kane.

Uno de los aspectos que deben destacarse de este ciclo de montajes es el compromiso tanto de los directores como del estudiantado, quienes, a pesar de las restricciones que enfrentamos a inicios de año debido al tránsito de Ensad a Unae, han logrado superar los obstáculos y llevarnos a estos espacios ficcionales. Este compromiso, además, nos permite visibilizar la disciplina y la calidad de profesionales en arte que egresarán de nuestras aulas.
Agradecemos a los directores, a los y las estudiantes y a todo el equipo de Ensad, quienes hacen posible que la escena siga en movimiento y continúe transitando en la construcción de un mundo mejor.

YASMIN LOAYZA JUÁREZ
Directora Académica ENSAD

Palabras del Jefe de Carrera de Actuación

La primera promoción del Plan de Estudios 2020 llega a una fase preponderante de su formación: la puesta en escena teatral es en este momento en el que convergen los años previos de formación con la experiencia artística vívida, con el hecho escénico que aparece a través del desempeño actoral de cada uno de los actores y actrices.

En esta ocasión tenemos una propuesta compuesta por tres trabajos escénicos, los que se complementan en un andar que, como siempre en el teatro, se hace y rehace a cada paso, es por esa razón que las propuestas se han construido desde la noción de “estar en tránsito”, noción que nos acompaña a los artistas de forma constante como un recordatorio claro de nuestra capacidad de eterna transformación.

Nos complace presentarles a nuestros estudiantes del último año de la carrera, estamos seguros de que, sobre la base de la culminación de su itinerario de formación aquí en ENSAD, iniciarán como si fuera la primera vez, un nuevo camino en su tránsito como artistas escénicos.

CÉSAR SALAS CHANVILLA
Jefe de la Carrera de Actuación

SINOPSIS

<Me amarán por aquello que me destruye>, trabajo a partir de 4.48 psicosis de Sarah Kane, es un desgarrador monólogo polifónico que nos sumerge en la lucha interna de una persona atrapada entre la lucidez y la desesperación. Sin personajes definidos ni estructura convencional, la obra nos confronta con pensamientos fragmentados, diálogos internos y una poesía cruda que transita entre la desesperanza y la lucidez extrema. Es un grito de dolor y un testimonio brutal sobre la depresión, el suicidio y la relación con la medicina psiquiátrica.

A través de un lenguaje poético, crudo y desgarrador, la obra expone con frontal honestidad el sufrimiento mental, la soledad y la fragilidad de la identidad. Entre estos diálogos rotos y reflexiones afiladas, asistimos a un testimonio íntimo donde el amor, la pérdida y el dolor se confunden en un mismo grito. Un viaje teatral que desdibuja los límites entre la palabra y el silencio, entre el cuerpo y la ausencia.

OBSERVACIÓN: Apta solo para mayores de 18 años (no ingresarán menores de 18 aunque estén acompañados de sus padres)
ADVERTENCIA IMPORTANTE: Esta obra contiene imágenes, texto y videos que pueden afectar la sensibilidad de algunos espectadores.

Sobre el director

Beto Romero

Artista, diseñador, docente e investigador escénico. Arquitecto de formación, con estudios en Pintura, Diseño Escénico y en Estudios Avanzados de Teatro. Desde el año 1985 se dedica a la docencia en diseño y arte escénico, 26 de los cuales han sido dedicados a la ENSAD – UNAE, donde también ha desempeñado cargos como jefe de la carrera de Diseño Escenográfico, director de producción artística y director académico.

Sus temas en el campo de la investigación teatral giran en torno al espacio escénico y el acontecimiento teatral, ha participado como ponente y conferencista en diferentes eventos y congresos académicos, cuenta además con publicaciones sobre sus reflexiones y ponencias.

Este año cumple 39 años como diseñador escénico creando escenografía, iluminación y vestuario en numerosos espectáculos, así como 25 de director teatral y 23 como director y fundador del colectivo Teatro de la Resistencia. En este tiempo ha creado y dirigido obras que se han presentado en festivales de teatro nacionales e internacionales.

Palabras del director

Trabajar sobre el texto de una gran dramaturga no es tarea sencilla y en especial este, déjenme contarles un poco por qué. El texto es sumamente rico dada su complejidad, ni siquiera estoy seguro si Sarah Kane era totalmente consciente de lo que nos estaba obsequiando. Creo que con esta mirada de fin de siglo (XX por supuesto) recoge toda la herencia de grandes dramaturgos y dramaturgas posteriores a la segunda guerra mundial, el cuestionamiento a la representación se hace evidente, el juego de la autoficcionalidad pone en jaque los límites de nuestra recepción, la ruptura de la cadena de sentido lleva los procesos de significación a terrenos de ambigüedad, la voz testimonial, poéticas disruptivas y una escritura fragmentada nos conectan con una voz que habla desde el lugar del dolor y su necesidad de no sufrir más. Todo en un contexto determinado por una condición de salud mental, la psicosis, la cual no sólo era mirada de otra forma hace 27 años, sino que, además, quien la sufría era una mujer. Quienes hemos vivido ese paso de la juventud a la adultez entre los devenires de las dos últimas décadas del siglo pasado, sabemos bien de lo que hablamos.

Este trabajo se realiza en un contexto de prácticas preprofesionales con determinados recursos, tanto temporales como presupuestales, lo cual evidencio no como limitantes, sino más bien como situaciones reales y objetivas que, como director, me llevan a tomar la decisión de trabajar interviniendo parte del texto original. Tarea por demás difícil, ardua y delicada, ya que por más que intervenga una obra siempre busco no traicionar las intenciones de los autores y autoras. En este contexto, me parece importante señalar que los estudiantes practicantes no asumen un rol de actores y actrices al servicio de un director, sino el de artistas creadores y creadoras, ya sea desde sus cuerpos o desde el lenguaje audiovisual, con la capacidad reflexiva que este trabajo demanda, conformando así, un núcleo creador que, en este caso, tengo la fortuna de dirigir.

Es así como nos dedicamos a la tarea creativa, que partiendo de la construcción de un yo, busca generar una tensión entre la representación, entendida como algo que se sostiene por la dimensión ficcional en la que se mueve, y la presentación, que se sustenta sobre todo lo que ocurre en la escena, en el acontecimiento. Este plano de tensiones se complejiza aún más, en tanto que la condición de presentación genera otra tensión entre lo que sucede y las posibilidades de significación, en tanto creación de sentido. Esto involucra un indispensable agente más en la experiencia escénica, espectadores y espectadoras, a quienes prefiero llamar participantes. Y son quienes definen la experiencia vivida, digo esto sin romanticismos y con la ingenua ilusión de que esta experiencia inicie (o continúe o refuerce) una reflexión y un diálogo que vaya más allá de este espacio-tiempo compartido.

Creo que el trabajo que presentamos es importante, en tanto se convierte en un aporte, tal vez pequeño, eso lo decidirá cada una y cada uno de ustedes, al debate social sobre la salud mental.
Esta experiencia que compartiremos con ustedes implicó un camino duro y cuestionador, en tanto las voces en escena hablan desde sus propios yos, desde sus individualidades y singularidades. Lo que a su vez lo hace satisfactorio, rico y complejo. Es como la vida, llena de contradicciones que le dan el valor a lo vivido, no valoramos la alegría sin la tristeza o el triunfo sin la derrota, el amor sin el dolor, la vida sin la muerte.
Gracias por ayudarnos a construir esta experiencia.

Equipo artístico creativo

Director:
Beto Romero

Productora:
Noemi Ramos

Estudiantes: